弧与艺术——音乐和绘画

Arcman

粗略地看，音乐好比是人工处理过的“频率包”。若如此，那么人类关于音乐的精神感受其自然基础也应该是一个“频率包”。因为很难想象一块冰冷无生命的石头能与音乐产生协调、强烈的共鸣感。如果要有，那是共振。共振是具有破环力的，而非愉悦。

声音是一种普遍的物质运动方式，自然世界中的声源甚是多广。音乐似乎主要借助了人喉和乐器来制造声响，并对这些声响进行诸如音调、节拍、音色、泛音、谐音、和弦、编曲、填词等相关技术化处理，从而实现音乐家创作意念中的那个“原始包”向规范化“制品包”的转变。但对于一部真正有强大感染力的音乐作品而言，这些后继工作远不及音乐家内心世界中那个“原创包”更基本和重要。也由此看来，好的音乐家除了其技术性之外，音乐灵感才是他们流芳作品的根基性要素。

好吧，问题有转回来了：所谓“原始包”只不过是音乐家创作灵感的物理体现方式，拘于此意，音乐家的创作灵感本质上与其作品受众是一回事，都是一个“频率包”。深入看来，除了创作技巧和演绎技术等这些表达性能力之外，音乐家最重要的天职是发寻和提供具备广义基础的“共鸣包”的能力，而获得此种能力的唯一途径却是其自我心灵在广义感受上的某种实现与升华。

呵呵，此时的音乐艺术，只不过是人类精神沟通和交流的一种物理方式和借渡桥梁而已！音乐家的作品首先是其自我精神世界中的原发性自鸣，其次才是其作品受众的次生性自鸣。关联两个自鸣的是音乐艺术，其效果评判则是共鸣度。

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为什么音乐作品会各自拥有不同的受众？是否暗示了共鸣的类型有说不同？或者说，没有格式化的音乐，只有与特定音乐作品相呼应的特定受众？故此，也就有了所谓的大众作品和小众作品，高雅脱俗的作品和浑浊淫秽作品？

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由此看来，音乐家的内心修为才是决定其作品共鸣度高低的衡尺？如果是，那么少众音乐就因故而低俗了？看来也不是这样的。毕竟高度修为的人也是少众的。

但无论如何，一部优秀的音乐作品首先取决于音乐家的个性修为，其次才是与作品相适宜的艺术表现手法。创作人员的内心修为赋予了音乐作品于灵性，表现手法则是呈现这种特定灵性得以被受众感知的声音质感。音乐的流行性，不仅仅取决于受众的内心需求，更重要的或许是音乐家对这种需求的感受及理解。不具备高层面和普遍性的修为基础，是很难创作出深触灵魂并引发强烈共鸣的作品的。

艺术家的感受，首先是自我的，但不能仅仅拘泥于自我。若想创造出优秀作品，就必须将其个性感悟提升到广义的普众感悟。这需要音乐家的大爱情怀，而非唧唧无聊的自鸣得意。这是鉴别音乐家素养的试金石。

音乐作为广众心灵的和谐鸡汤，容不得功利自私。音乐家的痛苦常常来自于自我超越时的蝉蜕之变。一部广为喜爱的音乐作品，传达的常常是那种蜕变后的解脱感、快乐感，以及那种与快乐相辅相成的深刻苦痛感、压迫感。好的音乐作品是通过完美技法，用音乐语言将这种强烈的个性化感受经历加载在受众心灵之中而触发其谐振，进而产生群体的强大共鸣。音乐的持久性，在于作品所呈现灵感之广谱性。好的音乐作品必定不是个性感悟，而是广众感悟。音乐家也只有途径自我心灵的艰辛磨砺，才能触摸到广众内心深处的被压抑至深的张力之弦，触发其释放，从而完成音乐救赎的伟大使命。

所以，社会生活中的每个人，都应该对优秀音乐家及其作品给予不吝崇敬，因为他们是用自我毁灭和殷殷心血为代价，为我们发寻着获得快乐的途径与方式。

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美术的灵魂是透过形式表现出自然的一致性。

自然世界的物象本身是个性化的，如何透过个性来呈现出普遍性，是美术的核心技巧。

画家的眼睛，不能是普通的视觉器官，而是发寻普通个性事物中的普遍意义的探测器。这需要有足够的审美内涵做基础。

各类美术方式，诸如摄影、油画、国画、剪纸、雕塑、雕刻、陶艺等等，不过是表达这些普遍意义的工具。不是美术的目的。

没有审美内涵的美术家，不如说是掌握了美术技法的涂鸦者。

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就个人观点而言，是这样的。这就为什么将要求艺术家修为作为艺术实现的第一要素，而其技法虽然重要，但位居其二的缘故了。

任何具备广泛感染力的艺术作品，其基础是受众的内心回应。缺乏广泛回应的艺术不能被否认不是艺术。艺术思想的成就一旦转化为作品，就必然附带了时代文化的价值意义。这种价值实现，有些是当下的，有些则是滞后的。也即所谓经得住时间考验的作品。经得住时间考验的是什么意思呢？并非是简单意义上的放一放就值钱了。通常而言，艺术家靠技法“吃饭”，靠思想“留名”。

在这里希望更多关注的是艺术美的精神基础以及美学的自然意义，以期对美学理论和艺术家的卓越创作提供一些参考，而非其文化价值与艺术技法。艺术美既然是无疆界的美，那么，对任何美好艺术作品的文化价值之评判，或许就有了一些铜臭的亵渎。

Arcman

一切用于体现艺术思想的手段都是艺术工具。也因此有了“家”和“匠”之分。

譬如绘画，“匠”卖弄的是线条和色彩，而“家”宣导的是理解与情愫。再如音乐，演奏家玩耍的是技法和效果，而音乐家把弄的则是感悟与情志。把艺术工具的娴熟应用作为“家底”的只能称之为匠心卓卓，也是一种创作活动，但此类创作是基于个性基础条件下对主题作品的再解读，而非根本意义上的创作。

音乐艺术的灵魂是什么？是作品中反复强调和再现的主旋律吗？肯定不是。音乐的灵魂是共享。可以通过解析这种特定共享的自然基础以及精神本质来理解音乐实践的审美意义。时间允许的话，有情趣逐次展开讨论？

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某种意义而言，音乐和绘画都是“补残”的艺术。也就是说，他们各自无论于其自然本质层面或形式层面都是先天性破缺的。而且，二者的破缺也是互补的。音乐和美术看上去更像是同源异体的孪生关系。所以，索性把这个讨论的题目改成“弧与音乐和绘画”好了。

为什么这么讲？让我们走进去看看。

绘画是再现瞬时空间性的艺术范式，而音乐则是再现空间连续性的艺术范式。两者都从不同的侧面表达了人类的时空经历或体验。换句话说，就是生命的存续过程及其经验。如同建筑艺术是绘画的延伸，器乐是声乐的延伸那样。

绘画的基础是事物的空间特性，是以事物的“某时某刻”的空间状态为艺术刻画基元，以静映动。通过空间形式（场景）反射出主题所对应及关联的时间故事。音乐呢？是以事物的时间特性为基础，通过事物在时间上的连绵状态为艺术刻画基元，以动映静。通过特定时间段（旋律）反映出主题所对应及关联的空间故事。如果说绘画艺术是时空的“截点”泛化的话，那么音乐艺术就是时空的“连续”脉动。

物理学上看，绘画的点线面、色彩等要素，不过是物质质在感的具象化重组。音乐的旋律、节拍等要素，不过是物质波律感的特频化重组。简单地讲，绘画是“粒子”的艺术，音乐是“波动”的艺术。

到这里就很有意思了！为什么呢？

现代物理学关于物质存在的理论——量子论——中有几条极其重要的基本律。诸如互补性原理，波粒二像性等。音乐和绘画却是真真切切的与其相通的。音乐和绘画本质上也是关于物质存在的表述范式，区别仅仅在于各自所使用的工具，前者的叫数学，后者的叫艺术而已。

如此也就解释了为什么音乐和绘画的“通灵”性。因为人类是以物质方式而存续的，必然无可逃脱的接受物质律的支配。无论人类的心灵主观或精神存在当下看来是多么的黑匣子，也仍旧被宇宙客观所框定并遵循其规律。以“声色”之术，通过知觉途径，作用于物质人类的意觉层面，这样的非语言、非逻辑方式，或许较之语言的，逻辑的方式更具备直接的、原始的、广义的激发和传递功效。事实也正是如此！音乐和绘画的美学感不是比科学的美学感更容易被广众所接受和传咏吗？无论其是欢乐或忧伤、圣洁或阴暗、伟大或低俗、甚至重生或毁灭！

这里不是诋毁科学之美，而是要把音乐和绘画与科学并重的看待。如果一定要严格的有所区分的话，音乐和绘画之美或许更偏重于情绪的、非理性的、非逻辑强迫的、无意识层面的感同化作用方式，而科学则相反。无论科学还是音乐和绘画，都是基于人与人并借由物质方式相互作用的物理过程。两者的最高境界都是努力开启人类的灵智之光，以期丰富和美化生活。如果说科学是人类行为短板的延伸，能否说音乐和绘画是人类精神短板的延伸呢？换言之，科学如果是人类行为能动的源泉，那么音乐和绘画就应该是人类精神能动的食粮。

下一次有时间，再更进一步的深入走进，讨论一下自然真实意义条件下的音乐和绘画的破缺及互补，进而揭示其共享性原理。

Arcman

此时再听一遍《殇》会很合时宜，……

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